Se dice que el hueso más duro de roer de los Estados Unidos es la zona conocida como “Midwest”, aquella que justo a la mitad del vasto territorio de la nación más poderosa del mundo no posee costas, es eminentemente tradicionalista y le quedan los más vastos resquicios de prejuicios raciales, políticos y religiosos; y todo esto sigue sin representar un problema para sus habitantes.

Laurel Nakadate (1975) es fotógrafa, videoartista y recientemente se ha convertido en cineasta vía Stay the same never change;  nació en Austin, Texas –otro bastión del conservadurismo gringo- y creció en Ames, Iowa. Aunque Nakadate reside en la ciudad de Nueva York, su trabajo está permeado de ese sentimiento de cercas blancas, fachadas perfectas pero estancamiento emocional y sobretodo, aburrimiento, reflejado en el rostro de las chicas comunes y corrientes de las high schools estadounidenses. 

En su discurso conviven el documental y la ficción. Nakadate, por una parte es un ojo vouyerista que se mete en la vida de estas jóvenes hastiadas de cotidianidad: sus casas, sus escuelas, las ciudades que habitan, su contexto aislado del resto del mundo geográfico,  la burbuja que constituye la realidad estadounidense. En contraparte, les construye historias y poses, que en sí no pueden estar tan lejos de la realidad de sus protagonistas porque se inspira en ellas e incluso utiliza ciertos recursos autobiográficos.

Su obra fotográfica, en colecciones de títulos tan sugestivos como I wanna be your mid-life crisis,  ha sido expuesta en el Getty Center de Los Angeles, el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de España, entre otros.  Stay the same never change, su opera prima,  tuvo su primera exhibición durante el festival de cine  de Sundance 2009 y desde entonces ha sido recibido en un foros tanto del circuito del arte como del cine.

Una mirada a chicas con todo y al mismo tiempo sin rumbo aparente, envueltas en escenarios y diálogos que se antojan absurdos. Es una fábula de princesas contemporáneas y crudamente reales que esperan ser rescatadas.

www.nakadate.net

 

«Anyone rich, powerful, beautiful, or famous can get into Society.

If you’re a few of those things you can really get to the top»

 

Hay una cosa cierta, para hablar sobre Andy Warhol harían falta muchos textos y aún así no todo estaría dicho. Pintor, escultor y hasta ¿cineasta? exploró esos terrenos donde todo es interesante si se observa el tiempo necesario. Sin embargo, hay que decir también otra verdad: él era antes que cualquier cosa, fotógrafo.

A los 10 años comenzó a tomar fotos con una  Kodak Brownie. Para 1962 ya había pintado, ilustrado, grabado y expuesto su trabajo en algunas galerías y fue entonces cuando una Polaroid SX-70 Big Shot le mostró las bondades de la fotografía al instante.

Warhol solía usar el fotomatón como una de sus principales técnicas para lograr las imágenes que después convertiría en retratos. La repetición y la mecánica que obtenía de una serie resuelta en una sencilla cabina, hizo que se convirtiera en una de sus técnicas predilectas. Gracias a estas instantáneas luego experimentó con la foto-serigrafía, trabajo que le conocemos de sobra.

Cenas, charlas, violencia, productos de consumo masivo, sexo… todo fue captado por la cámara de Andy. Un observador que no tuvo ninguna instrucción fotográfica, parecía tener una especial y original forma de ver el mundo. Las posturas, apariencias y la profundidad que hay tras la superficialidad de un objeto o rostro famoso le dieron todo lo que necesitaba.

Tras la Polaroid o la 35 mm (con la que se aventuró después de conocer a Christopher Makos el fotógrafo “oficial” de sus cotidianidades) había un hombre seducido por el plástico, el comportamiento sintético, la vanguardia y lo inmoral. Delante de la cámara estaban él mismo y algunos artistas, cantantes y escritores: Truman Capote, William Burroughs, Sean Lennon, OJ Simpson, Farrah Fawcett, Jane Fonda, Jean-Michel Basquiat, Grace Jones, Madonna y su incondicional Edie Sedgwick.

Existen miles de imágenes que lo captan a él y su contacto con las celebridades, miles de reproducciones de su trabajo y miles de escritos acerca de su genialidad, pero para conocer al artista visual hay que ver lo que veía él. Y no se mira con justicia si sólo se conoce su Campbell’s o su Marilyn.

www.warholfoundation.org

 

 

 

Canadá ha visto nacer, crecer y disparar tiros de obturador a uno de los fotógrafos más versátiles de nuestros días. Sus imágenes van desde el retrato de modelo y publicitario hasta las fotos reflexivas o abstractas que bien podrían estar en las galerías de artistas contemporáneos.

Las tomas limpias y efectos simples le dan a su trabajo el toque característico de un fotógrafo de bajo perfil. Sin embargo, a Ian Pool le va bien el humor ácido y al ser un entusiasta de las series temáticas, dos de estos trabajos han sido publicados en su sitio personal.

La vida privada del súper héroe y la perfecta relación que llevan los niños con la tecnología, son los pretextos que el norteamericano encuentra para llevar un poco de sarcasmo al papel fotográfico.

No es un aclamado de la fotografía ni expone en galerías, pero su trabajo nos deja ver mucho más que al sujeto de la cámara con excelentes tomas de modelos. Sus fotos expresan y tienen un discurso más explícito. Ian Pool no se toma nada en serio e incluso en su trabajo formal, se asoman por las rendijas aquello que deja ver otras posibilidades: jugar con la imagen, jugar con el espectador.

www.ianpool.com

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Sólo 400 años nos separan del inocente pero revolucionario acto que puso a girar a la Tierra en otra dirección. Fue en 1609 cuando Galileo Galilei tomó entre sus manos un objeto construido por él mismo, basándose en artefactos ya existentes, para observar el cielo con intenciones científicas. Fue en ese momento cuando el telescopio acortó la distancia entre las estrellas y los hombres. 

Al 2009 se le ha bautizado como el “Año Internacional de la Astronomía” y tras este nombramiento se desarrollan gran cantidad de actividades que atraviesan todos los continentes y van desde las simples conferencias, hasta observaciones masivas del cielo, muestras documentales y proyectos académicos. Sin embargo, hay un trabajo que llama especialmente la atención…

“She’s an Astronomer” se lleva a cabo en todo el mundo y en México “Ella Es Astrónoma” es vigilado por el físico Julien Girard que quiso hacer de este proyecto una muestra artística. La selección es una serie de imágenes captadas por la lente de Robin Cerutti, retratando algunas mujeres cuyo trabajo ha estado dedicado a la astronomía dentro de las fronteras mexicanas.

Cerutti ha logrado condensar en las fotografías el contexto en el que laboran estas mujeres, nada más alejado del prejuicio sobre el científico aislado del mundo social. Ellas parecen personas comunes, pero la diferencia radica en que cuando alzan su mirada al cielo no lo hacen como los demás: ellas son astrónomas.

En un país en el que la tercera parte de sus científicos del universo son mujeres y muy pocas logran reconocimiento nacional o internacional, acercar la ciencia a los individuos que la sienten distante es también una tarea que ha asumido el arte. Cuando los contornos de lo científico y lo artístico se tocan de formas seductoras, ambas esferas complementan sus discursos.

Robin Cerutti tiene un doctorado en nanofísica y a la par sus fotografías son altamente valoradas por los entusiastas del mundo de la moda. Sus últimos trabajos fotográficos fueron exhibidos por las casas Damiani y Kiton. A pesar de ello, desarrolla sus actividades como científico y fotógrafo a nivel profesional. Su muestra “Ella es Astrónoma” se exhibirá durante la Feria de la Astronomía en México el próximo noviembre.

She’s an Astronomer México

robincerutti.com

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«De manera femenina» quiere decir «furiosamente»; pues todas las palabras desmedidas nacen en boca de mujeres. Lord Byron

 

Cuerpos desnudos y cuerdas, vigas, lujuria y objetos cotidianos. Flores, colores y fotografía blanco y negro son el sustento del trabajo de un artista nacido del otro lado del mundo. Acusado de misógino, pornógrafo y violento, lo cierto es que la figura femenina; evidente o en metáfora, ocupa la totalidad de su producción artística.

Nace y vive en Tokio. Trabajó para Playboy, Déjà Vu y Erotic Housewives. Es hoy uno de los fotógrafos más reconocidos en su país y fuera de los fronteras japonesas debido a que en sus imágenes ha retratado sin pudor alguno la belleza que hay, sutil en la estética del sometimiento físico.

Los críticos más duros lo han señalado de poseer una limitada visión que observa a las mujeres como un mero objeto de placer pero para Nobuyoshi Araki, el fetichismo depositado en un cuerpo atado, habla más de la subjetividad que de una generalización de odio hacia la mujer. Por eso sus exposiciones no han estado exentas de censura y muchas de sus muestras han sido cerradas al público.

Las distancias entre las concepciones de placer, sufrimiento y amor que persisten entre las formas de interpretación occidentales y orientales no han detenido el rápido avance de  Araki como uno de los fotógrafos más apreciados. Entre sus trabajos además se encuentra una colección de imágenes de Yoko su esposa, tomadas durante su luna de miel y una más testimonial sobre sus últimos días antes de morir a causa de cáncer.

Es el espectador quien decidirá cómo participar de este trabajo visual: desde el lado del feminismo férreo que se opone a cualquier exhibición provocadora del cuerpo o desde la aceptación que nos invita a pensar si en estas fotografías puede haber un acercamiento distinto hacia la feminidad. 

 

 
arakinobuyoshi.com

 

Para aquellos a quienes la visión está negada, percibir lo que hay de simple e intrascendente en una imagen cotidiana sería un verdadero milagro. Para el que ama la fotografía, la luz se convierte en acto y “ver” cobra un nuevo significado.


El 3 de noviembre de 1953 nació en Puebla, México, Marco Antonio Cruz. Estudió pintura en su ciudad natal y trabajó durante los inicios de su carrera como ayudante de Héctor García, uno de los fotógrafos documentales más importantes de este país. 


Notablemente influido por la lente de Nacho López pero también por su gran sensibilidad social, ha retratado imágenes de la ciudad de México en el terremoto del año 1985, hizo un homenaje a la torre Latinoamericana y un reportaje sobre la última pulquería en la colonia Roma. Guatemala y sus recolectores de café así como fotografías de la vida en China y Nicaragua también se cuentan entre su galería.


El trabajo de Marco A. Cruz se publica en periódicos y revistas nacionales y foráneas. La Jornada, Revista Proceso y LIFE han sido sus principales escaparates para el trabajo que desde 1977 ha mantenido su ojo ávido y pendiente del movimiento, del rostro, de la acción y la luz, pero también de la oscuridad.


Un ensayo fotográfico sobre la ceguera en México, compone una serie de imágenes que hoy captan más que nunca la atención de los contempladores. Realizado entre 1979 y 2005, documenta la realidad de individuos ciegos o débiles visuales a causa de múltiples enfermedades habitando sus realidades en la provincia y la metrópoli.


Oscuridad Habitada, como ha sido bautizado este trabajo, ha sido seleccionado para contender por el Grange Prize que desde 2007 reconoce la obra de fotógrafos contemporáneos de Canadá y otras partes del mundo. En 2009 dos mexicanos y un par de canadienses participan por el premio cuyo resultado es definido gracias a la votación abierta del público realizada en línea.


La fotografía de Marco Antonio Cruz se ha distinguido desde sus inicios y en más de 30 años de disparos de cámara por ser fiel al individuo y dedicada al contexto en un perfecto maridaje. No es bonita, es cruda y es real. No es decorativa, es documental, del campo y la ciudad.


Mirar no es sólo abrir los ojos y dejar que un haz de luz nos enseñe el mundo material. Mirar es esperar con paciencia el acto suspendido en el tiempo y el instante en que una imagen se revele a través de otros sentidos. en Oscuridad Habitada, Marco A. Cruz nos muestra que los ciegos y los fotógrafos tienen más en común de lo que pensaban: ambos esperan el milagro de mirar.

 

 

 

 

marcoacruz.com

 

La imagen es un acto y no una cosa. Jean Paul Sartre


 

Fernando Montiel Klint, Nirvana, 2007

El trabajo iconográfico realizado en México es mucho más fructífero de lo que podría parecernos. Sin embargo, la producción en este rubro jamás ha sido un proyecto nacional ni ha estado en las prioridades de las políticas públicas locales o federales.

En ese contexto la Bienal de Fotografía en su XIII edición, ha buscado la convergencia de las obras de fotógrafos consagrados o de aquellos que quienes con un futuro promisorio, unen su trabajo en una sola muestra. Caracterizada por su heterogeneidad y presentada en el marco del XV aniversario del Centro de la Imagen, la exposición exhibe las fotografías ganadoras de la convocatoria lanzada en 2008.

En sus 13 años de existencia, la bienal ha sido resultado de un concurso pero en esta ocasión, la selección de trabajos se ha nutrido de otros procesos y de los trabajos de artistas al rededor del mundo. La exposición exhibe, además de las fotografías ganadoras, la colección de obras sobresalientes en festivales como el Foto Fest (el más importante en Estados Unidos), The Grange Prize,  PhotoPoland (llevado a cabo en Polonia) y en diversos seminarios de fotografía.

Andrés Carretero, Fenotipos

Nombres como Carlos Alvarez, Enrique Balleza, Lucía Castañeda, Marianna Dellekamp, Fernando Etulain, José Hernández-Claire, Tania Jiménez, Zony Maya, Fernando Montiel Klint y Sandra Valenzuela entre otros, sobresalen entre los 25 fotógrafos cuyo trabajo se muestra en la exposición.

La resultante en esta búsqueda de interacción entre los realizadores mexicanos además de extranjeros, veteranos o novatos, ganadores y seleccionados; conforma la XIII Bienal de Fotografía que actualmente habita el Centro de la Imagen de la ciudad de México.

Tras itinerar durante un tiempo, las obras listas para ser contempladas confirman el objetivo que inspiró su nacimiento, dando testimonio de que la producción fotográfica en nuestro país y fuera de él, es mucho más que el pasatiempo de unos cuantos.


 XIII Bienal de Fotografía / 20 febrero-31 mayo 2009

Centro de la Imagen

Plaza de la Ciudadela 2, Centro Histórico, México D.F

ENTRADA LIBRE