David Bray
09/02/2011
David Bray nació en Dartford, Kent, al sur de Inglaterra. Desde niño tuvo gran inquietud por el dibujo, por lo que estudió diseño gráfico en Londres.
De niño sus dibujos giraban al rededor de travesías espaciales, ahora tratan sobre mujeres y caricaturas que demuestran su ácido humor. Este ilustrador suele trabajar a lápiz, y aunque no rechaza el uso de la computadora, prefiere los naturales ‘accidentes felices’ provocados por el grafito que no pueden ser desechos con el toque de un botón.
Bray tiene una gran cantidad de seudónimos (Bonsey, Dash Braze, Falk Jensen y Lucius Beebe, enre otros), ya que en cada uno de ellos trata de plasmar gustos y lados de su personalidad diferentes. Aunque el dibujo es la principal disciplina que practica, también le gusta realizar otras actividades como collages, fotografía e incluso música. Pese a que él siempre ha buscado plasmar cierto dejo de polémica en sus trabajos, su labor ha sido aceptada y lo ha llevado a colaborar con marcas internacionales.
Toyin Odutola o la identidad
22/11/2010
Quizá las noticias que nos llegan sobre las manifestaciones artísticas ocurridas en el continente africano sean pocas porque, en realidad, no es un territorio vertiginoso como los corazones cosmopolitas que poseen las grandes ciudades del mundo. El arte en las sabanas es diferente y apela a la inclusión a través de la exaltación de la identidad. El arte de la (casi) negra África puede ser uno de los más desconocidos, pero también de los más propositivos.
Toyin Odutola es una mujer nacida en Nigeria, el país más poblado del continente africano. Utiliza materiales muy básicos (en 2010 decimos “rudimentarios”): papel y bolígrafo. En sus trazos están capturadas las esencias de las etnias africanas; este es un verdadero arte identitario. La piel es el elemento común; su proceso comienza cuando observa la geografía de una tez y todas las marcas que componen un rostro (todos son únicos). Hay tonalidades, pero todo está basado en la dualidad: negro y blanco en la misma piel.
Alberto Cerriteño
01/07/2010
Alberto Cerriteño es originario de la Ciudad de México, pero desde hace tiempo habita en los Estados Unidos. Es ilustrador, animador y diseñador con años de experiencia como director de arte en diversas agencias de publicidad y diseño.
Alberto ha desarrollado un estilo visual que se identifica de inmediato, alegres personajes fantásticos, una gran cantidad de colores y formas utilizados de manera perfecta, gran cantidad de texturas, y algunos elementos representativos de la cultura mexicana, forman parte de su atractivo trabajo.
Aunque a simple vista las piezas de este mexicano parecieran estar dirigidas a niños amantes de las caricaturas, la verdad es que su obra se disfruta mucho más, teniendo la madurez suficiente para apreciar los detalles con que tan minuciosamente ha concebido cada uno de sus personajes y universos, de influencia clara en el movimiento pop-surrealista.
Su fama se ha incrementado, de manera justa, y su material ha sido participe de múltiples exposiciones grupales y en solitario en varias partes del mundo, y ha generando también, que artistas de distintas áreas busquen su colaboración.
Cerriteño es un apasionado de su labor, su talento y correcta utilización del lenguaje visual logran no sólo entretener, sino divertir y fascinar; además, cuando mostrar las cosas de manera fría y cruda se ha vuelto una tendencia recurrida por una gran cantidad de artistas hoy en día, agradecemos que aún haya quien nos provoque una sonrisa cordial.
Jonathan Bartlett. See JB draw
07/05/2010
Jamás usa tinta en sus bocetos. En el borrador sólo hay trazos a lápiz a los que después les imprime un toque de color. La armonía es tan importante que por eso es muy metódico. Le gusta conocer la meta desde el inicio.
Capas superpuestas en un editor de imágenes darán el resultado final de una ilustración minimalista. La suma y síntesis de lo que le gusta a este neoyorkino, componen cuadros de colores ligeros y simplistas.
Allí están las metáforas, los atuendos de los hombres que habitaron la década de los 50, la belleza y lo agresivo. Está el surrealismo y la trampa visual. Aquí está la influencia de Norman Rockwell (fotógrafo e ilustrador), de Achille Mauzan (diseñador del movimiento Art Deco), David LaChapelle (fotógrafo) además de Claude Monet.
Aquí está Jonathan Bartlett a.k.a. seeJBdraw.
Javier Arjona
08/04/2010
(Dos personas. Una quiere saber sobre el artista y su obra. La otra es el artista, que habla sobre su obra. Una charla que inicia como ha terminado: “casi cualquier cosa puede convertirse en un escaparate.”)
Nació en Oaxaca y ahora estudia y vive en Veracruz. Ambos son territorios que se alejan y experimentan tendencias distintas del arte que puede hacerse en otras partes de México. Estudiaba medicina pero decidió dejar esta profesión para dedicarse a las artes visuales y “la libertad que se encuentra en la creación” a través de los trazos y la expresión del color.
El dibujo siempre lo ha acompañado pero lleva poco tiempo realizando trabajos artísticos de manera rigurosa. En 2008 encontró en su camino la influencia de René Almanza y del colectivo artístico Arte Cocodrilo pero también integra a Lucian Freud, James Ensor, Francis Bacon y el Lowbrow como inspiración de su obra.
Recursos fotográficos, animación, pintura y herramientas tecnológicas le han dado lo que necesita para trabajar; sin embargo, siempre intenta ser coherente con la pieza. En el camino de la creación “se llega a saber muy bien qué tipo de técnica produce qué resultados” y por eso la intención de su obra define la solución técnica que elegirá.
Javier Arjona, dibuja en su mente, luego aquella imagen mental es condensada en palabras para después, convertir ese lenguaje escrito en un cuadro o una ilustración.
Cree firmemente en la recuperación de espacios públicos como una forma de “incluir a las personas y acercarlas al arte” porque la calle, ofrece otras posibilidades.
Pertenece también al colectivo Cefalópodo con el que planea una intervención en las calles de Xalapa, Veracruz donde sea la obra un objeto modificado y no sólo observado, como podría suceder en un museo.
Se define a sí mismo como un artista posmoderno “que a veces deja de creer en la pintura” en búsqueda permanente por un estilo dentro de un momento donde “el concepto de arte ha cambiado radicalmente”.
Con piezas que “toman en cuenta el contexto regional” ha expuesto en Oaxaca, Veracruz, Miami y Nueva York. Sus planes: una nueva exposición individual y la expansión de sus piezas en el extranjero. Planes que requieren vitrinas y promoción, pero como él afirma: “casi cualquier cosa puede convertirse en un escaparate.”
Subtítulos para un ilustrador
30/03/2010
Florian Nicolle
A.k.a. “Neo”, es un diseñador gráfico francés de 22 años que combina el diseño comercial con el artístico.
Inspiración
La arrancó y sintetizó de otros creadores, sobre todo los anónimos, cuyos trabajos observa en la calle y en espacios cotidianos. El graffiti, el trazo sin complicaciones, las manchas de tinta y el texto.
Fotografía
Es la base conceptual de su trabajo. Sus ilustraciones están construidas a partir de imágenes que parecen estar extraídas de una película fotográfica procesada.
Digital
Es su único recurso, aunque pareciera un trabajo a la antigua. Usa todo el tiempo herramientas tecnológicas con las que consigue alteraciones en la textura compuestas por texto, líneas y manchas de color sin perjudicar un estilo sobrio que es inconfundible.
El espectador
Es el que está siendo observado en los trabajos de Neo… y no al contrario.
Víctor Castillo. Los límites no existen
15/03/2010
«A veces de noche, enciendo la luz para no ver mi propia oscuridad»
Antonio Porchia
La creación que va más allá del diseño o la ilustración, refleja narraciones y juegos esencialmente viscerales al parecer desentrañados de un sueño en los trabajos de Víctor Castillo.
Hijo latinoamericano del surrealismo pop, nació en Santiago de Chile y vive en Barcelona ahora mismo. Integrante del colectivo “Caja Negra”, ha expuesto en Argentina, Brasil, Estados Unidos, Canadá, Bélgica y Taiwan.
La reinterpretación del movimiento artístico y conceptos culturales que se encuentran envueltos en el surrealismo pop, han contribuido a que la galería de sus creaciones se acomoden alrededor de elementos fuertes y directos. Si observamos con cuidado, cuestiona y polemiza sobre temáticas que van del racismo hasta los prejuicios y extremismos religiosos.
Lo que resulta de mezclar dibujos animados, cómics, algo de cine de suspenso, ambientes terroríficos (como una noche en el bosque) más un toque de belleza oculta; es la producción de un artista que bajo un mismo recurso estético, demuestra que no hay ataduras artísticas ni cosas imposibles de embonar.
Con un trasfondo que recuerda las fantasías infantiles, los cuentos y la cinematografía; imagina cuadros impactantes sin dejar de reflejar un estilo constante para combinar inocencia con terror.
Emma Mount
11/03/2010
Retratar nunca es fácil y menos si se hace con cierta conciencia de la técnicas clásicas del arte, los arquetipos y los iconos culturales. Caer en un cliché, eso es fácil. Pero Emma Mount logra crear trabajos de temas básicos que resultan, por alguna razón, sumamente interesantes.
Casi siempre trabaja con óleo pero a veces lo hace sobre papel e introduce algunas aplicaciones. Desde que comenzó su carrera, se ha inspirado en los patrones que configuran «lo americano y lo femenino»: estrellas y personajes de cine, cantantes, actrices de cabaret, la tendencia de los años 80 y la remembranza de los 50.
Su inspiración básica la encontró cuando era más joven. Ahora tiene 37 pero recuerda cómo la bipolar década de los 80, el glamour de David Bowie o Debbie Harry de Blondie y las revistas para teenagers le parecían tan atractivas.
En el color de sus cuadros, han quedado retratadas referencias cínicas a los cuentos contemporáneos, la cinematografía, las estrellas de la música o el celuloide, los paisajes, la sensualidad y el horror sintético que determinan los símbolos de cierta cultura occidental.
Marginal 
